Les deux premières années d’une décennie ne sont généralement pas marquées par la musique d’une époque – peut-être parce que nous sommes encore en train de faire la transition d’une période à l’autre. Mais dès la troisième année, les idées fusent, les révolutions gagnent du terrain et les albums classiques sortent.
C’était certainement le cas en 1973, une année remplie de disques qui résisteraient à l’épreuve du temps 50 ans plus tard, qu’il s’agisse des Who qui ont affiné l’opéra rock avec « Quadrophenia », de Stevie Wonder qui a créé un joyau soul socialement conscient avec « Innervisions », ou de l’héroïne culte Judee Sill qui a partagé son dernier album avec « Heart Food ». Rappelez-vous ces albums et d’autres albums légendaires qui auront 50 ans cette année.
Bruce Springsteen – ‘Greetings From Asbury Park, N.J.’ (en anglais)
Il est difficile d’imaginer une époque où Bruce Springsteen ne faisait pas vibrer le monde entier avec son spectacle de trois heures et plus d’hymnes de cols bleus. Mais, au tout début de l’année 1973, l’icône du New Jersey était relativement inconnu par rapport à son statut actuel – jusqu’à ce qu’il sorte son premier album » Greetings From Asbury Park, N.J. « , qui allait lentement attirer l’attention tout au long de l’année et lui valoir d’être comparé à Bob Dylan pour ses récits poétiques et populaires.
Ce qui s’est passé ensuite : Cet album a donné le coup d’envoi d’une carrière emblématique pour le Boss, donnant le ton à ses hymnes d’homme du peuple, et sera considéré comme l’un des meilleurs premiers albums de tous les temps.
Elton John – ‘Goodbye Yellow Brick Road’ (en anglais)
Le deuxième album d’Elton John en 1973 se révélera être l’un de ses plus populaires. Goodbye Yellow Brick Road » devait d’abord être enregistré en Jamaïque, inspiré en partie par les Rolling Stones et Cat Stevens qui avaient fait le voyage pour enregistrer respectivement » Goats Head Soup » et » Foreigner « . Cependant, les sessions sont rapidement annulées après l’arrivée de John et de son groupe en raison de la situation politique de l’époque, renvoyant les musiciens au château français où ses deux précédents disques ont été réalisés. Ce changement de plan a ajouté une certaine urgence au processus (les chansons ont été écrites en grande partie le jour de leur enregistrement), mais n’a pas nui à la qualité – un grand nombre des morceaux ici sont considérés comme faisant partie des meilleurs de John.
Ce qui s’est passé ensuite : L’album a donné naissance à de nombreux tubes, dont » Candle In The Wind « , qui sera retravaillé pour rendre hommage à la princesse Diana après sa mort deux décennies plus tard. L’album est également resté numéro un des charts pendant deux mois, renforçant encore le statut de superstar de John.
Iggy And The Stooges – ‘Raw Power’ (Puissance brute)
Le troisième album des Stooges a été réalisé dans des conditions désastreuses. Le groupe s’était techniquement séparé mais, alors qu’Iggy Pop se lançait dans un contrat solo avec Columbia, il s’est finalement reformé pour réaliser » Raw Power » à Londres. Iggy, le bassiste Ron Asheton et le batteur Scott Asheton sont rejoints par le nouveau guitariste James Williamson, qui apporte un nouveau son plus brut au groupe, qui aura une grande influence sur la prochaine génération de punks.
Ce qui s’est passé ensuite : Raw Power » peut être considéré comme un classique aujourd’hui, mais il n’avait pas l’attrait du grand public à l’époque. Ses mauvaises performances commerciales ont poussé Columbia à laisser tomber le groupe et ils se sont séparés à nouveau en 1974, permettant à Iggy de renaître de ses cendres et de commencer sa carrière solo deux ans plus tard.
Pink Floyd – ‘The Dark Side Of The Moon’ (La face cachée de la lune)
The Dark Side Of The Moon » de Pink Floyd était révolutionnaire, tant en termes de qualité audio que de contenu. Conçu comme un album conceptuel sur » les choses qui rendent les gens fous « , c’est l’un des premiers disques – et certainement l’un des plus réussis commercialement – à parler de santé mentale, en évoquant les luttes de l’ancien membre Syd Barrett. La qualité de sa production était si élevée qu’il a rapidement été considéré comme un disque pour audiophiles et l’enchaînement sans faille de la liste des morceaux a créé une « expérience immersive » bien avant que cette expression ne devienne un cliché.
Ce qui s’est passé ensuite : L’album est devenu l’un des disques les plus influents dans les domaines alternatif et expérimental, inspirant tout le monde, de Tame Impala à Radiohead, et bien d’autres encore.
Led Zeppelin – ‘Houses Of The Holy’ (Les maisons saintes)
Houses Of The Holy » était le premier album de Led Zeppelin avec un titre propre et ce revirement n’était pas le seul changement de style que le disque représentait pour le groupe. Sur le plan sonore, les légendes du rock ont également changé les choses, apportant un côté plus expérimental aux chansons et ajoutant des touches de tout, du reggae au folk. Bien que l’album n’ait pas reçu une réponse critique extrêmement positive à sa sortie, il a été réapprécié et considéré comme un classique de l’œuvre de Zeppelin au cours des décennies qui ont suivi.
Ce qui s’est passé ensuite : L’ascension stratosphérique de Led Zep continue – la tournée nord-américaine « Houses Of The Holy » bat des records de fréquentation à l’époque, y compris celui établi par le tristement célèbre concert des Beatles au Shea Stadium.
The Faces – ‘Ooh La La’ (en anglais)
Une tempête se préparait dans le monde des Faces lorsqu’ils ont enregistré leur dernier album studio « Ooh La La ». Le frontman Rod Stewart avait déjà lancé sa carrière solo, attirant une attention considérable, ce qui a vu le public commencer à considérer ses compagnons de groupe comme son backing band. D’après les rapports, Stewart n’a pas aidé le sentiment entre lui et ses cohortes, manquant les deux premières semaines d’enregistrement et se désintéressant généralement de l’album. Après sa sortie, il l’a régulièrement critiqué dans la presse, le qualifiant de « foutu bordel » – ce que peu de gens semblaient partager, puisque l’album a atteint la première place des charts au Royaume-Uni et a été considéré comme l’un des meilleurs disques de l’année.
Ce qui s’est passé ensuite : Les choses ne se sont pas améliorées au sein de Camp Faces, bien au contraire. Lane a quitté le groupe en juin 1975, et le groupe entier s’est séparé quelques mois plus tard. Stewart poursuit sa carrière solo avec succès, tandis que Ronnie Wood rejoint les Rolling Stones à plein temps et que le reste du groupe reforme les Small Faces.
David Bowie – ‘Aladdin Sane’ (en anglais)
Aladdin Sane » est le premier album que David Bowie sort après l’énorme succès de » The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars » en 1972, mais il ne s’agit pas à proprement parler de la suite de l’histoire de son alter ego Ziggy. Son créateur considérait plutôt « Aladdin Sane » comme « une pâle imitation de Ziggy », dont il avait capturé le personnage lors d’un voyage en Amérique. Quoi qu’il en soit, les chansons – de « Jean Genie » à « Cracked Actor » – ne sont pas une pâle imitation du génie de Bowie et viennent enrichir sa collection.
Ce qui s’est passé ensuite : Bowie annonce le retrait du personnage de Ziggy Stardust sur la scène de l’Hammersmith Odeon en juillet 1973 et réalise un dernier album avec les Spiders From Mars dans l’album de reprises « Pin Ups ».
New York Dolls – ‘New York Dolls’ (en anglais)
Pour leur premier album éponyme, les New York Dolls ont fait équipe avec Todd Rundgren comme producteur – un choix intéressant puisqu’il considérait le groupe comme simplement « compétent ». Mais la combinaison a donné d’excellents résultats, laissant « New York Dolls » sonner comme le spectacle théâtral du groupe, tandis que le contenu du disque a formé un précurseur des observations androgynes et sociales de l’explosion punk qui était juste à côté. Bien que l’album ait divisé les fans, il a reçu un accueil enthousiaste de la part des critiques et a été classé depuis comme un classique des années 70.
Ce qui s’est passé ensuite : Ils ont sorti un autre album culte en 1974, ‘Too Much Too Soon’, avant que les tensions entre les groupes et les problèmes d’alcoolisme ne commencent à déchirer le groupe.
Marvin Gaye – ‘Let’s Get It On’ (en anglais)
Deux ans après la sortie de son classique fondateur « What’s Going On », Marvin Gaye change un peu de tactique. Au lieu d’écrire sur des thèmes de conscience sociale, il s’attaque au sexe et à l’amour, devenant ainsi le pionnier du slow jam. La profondeur de ces chansons va au-delà de leur nature sensuelle : Gaye utilise les paroles pour positionner le sexe comme une forme de guérison, à la fois sur le plan personnel et, comme dans « Keep Gettin’ It On », sur le plan sociétal.
Ce qui s’est passé ensuite : Le succès de » Let’s Get It On » a permis à Gaye de bénéficier d’un plus grand contrôle créatif, ses trois singles classés au Billboard étant la preuve qu’il savait exactement comment faire un succès.
The Who – « Quadrophenia
En 1973, les Who savaient déjà comment faire un opéra rock, ayant déjà réalisé le « mini-opéra » « A Quick One, While He’s Away » et le disque emblématique « Tommy ». Pour « Quadrophenia », Pete Townshend prend les rênes et concocte l’histoire d’un modiste qui tente de trouver sa voie dans la vie. C’était peut-être le plus ambitieux des nombreux disques avant-gardistes des Who, qui a gagné sa place dans de nombreuses listes de grands albums pour son scénario, sa musicalité et sa cohésion.
Ce qui s’est passé ensuite : La version de tournée de » Quadrophenia » s’est moins bien comportée que l’album, souffrant de problèmes liés à des pistes de fond qui tentaient de remplacer certains instruments de l’album. Elle a été retirée de la circulation en 1974, mais est revenue deux décennies plus tard dans un nouveau format.
Paul McCartney et Wings – » Band On The Run » (groupe en fuite)
Après la séparation des Beatles en 1970, Paul McCartney n’était pas très apprécié du public en raison des résultats mitigés qu’il avait obtenus avec Wings sur « Wild Life » et « Red Rose Speedway ». Paul McCartney et son nouveau groupe se sont donc rendus au Nigeria pour enregistrer leur troisième album, pensant que ce serait un endroit relaxant et exotique. Ils se sont vite aperçus que c’était loin d’être le cas, mais ces idées se sont fondues dans les chansons, évoquant le thème de la libération, en particulier dans les deux tubes nés de l’album – « Jet » et la chanson titre.
Ce qui s’est passé ensuite : Le disque a rajeuni la réputation de Macca, qui était tombée en disgrâce avec les deux précédents albums de Wings. En 1974, il est devenu l’album le plus vendu au Royaume-Uni, tandis que l’album suivant du groupe, « Venus And Mars » de 1975, a atteint la première place aux États-Unis, au Royaume-Uni et dans d’autres pays du monde.
John Cale – ‘Paris 1919
Pour son troisième album solo, l’ancien membre du Velvet Underground John Cale a mis en veilleuse son expérimentalisme caractéristique et a choisi de faire quelque chose d’un peu plus acceptable pour un large public. Il a fait appel à un orchestre lors des sessions afin d’ajouter une touche de chaleur aux chansons, ce qui a également contribué à leur donner l’impression d’un revirement important par rapport au créneau qu’il s’était précédemment taillé.
Ce qui s’est passé ensuite : Après avoir fait quelque chose d’accessible, Cale est revenu à son style avec ses albums suivants et a créé des œuvres plus abrasives et sinistres dans ‘Fear’ de 1974 et ‘Slow Dazzle’ de 1975.
Roxy Music – ‘For Your Pleasure’ (Pour votre plaisir)
Bien que l’art-rock de Roxy Music soit passé au-dessus de la tête de certains, « For Your Pleasure » a tout de même connu un succès commercial, atteignant la quatrième place du classement des albums britanniques. Considérez cela comme une récompense pour le groupe qui a continué à pousser son art, du frontman Bryan Ferry qui a affiné son lyrisme au groupe qui a adopté des techniques de production de plus en plus avant-gardistes.
Ce qui s’est passé ensuite : Brian Eno a quitté le groupe peu après la fin de la tournée » For Your Pleasure « , ce qui en fait son dernier album avec le groupe. À partir de ce moment-là, Roxy Music devient plus collaboratif, Andy Mackay et Phil Manzanera contribuant davantage à l’écriture des chansons auparavant contrôlées par Ferry.
Judee Sill – » Heart Food » (nourriture pour le cœur)
L’auteur-compositeur-interprète culte Judee Sill a eu l’honneur d’être la première signature du label Asylum de David Geffen en 1971 et « Heart Food » a été sa deuxième – et dernière – sortie sur le label. Ce disque lui permet de prendre plus de contrôle que sur son premier album éponyme, notamment en ce qui concerne les arrangements de l’album, certaines chansons étant plus pop que son prédécesseur folky. Adorée par des artistes aussi disparates que Clairo et XTC, le moment où Sill a été sous les feux de la rampe a peut-être été bref, mais « Heart Food » a immortalisé son talent à jamais.
Ce qui s’est passé ensuite : Sill commence à écrire et à enregistrer des démos pour son troisième album mais perd le contrôle de son addiction à l’héroïne et abandonne la musique. Elle meurt d’une overdose en 1979.
Bob Marley & ; The Wailers – ‘Catch A Fire’ (en anglais)
Catch A Fire » a marqué la grande percée internationale de Bob Marley & ; The Wailers à une époque où l’intérêt pour le reggae se développait à l’échelle mondiale grâce à des films tels que « Catch A Fire ». The Harder They Come. Il est depuis considéré comme l’un des plus grands albums de reggae de tous les temps, avec des contributions de membres comme Peter Tosh, membre des Wailers, montrant que le groupe ne se limitait pas à Marley.
Ce qui s’est passé ensuite : Marley est devenu une icône mondiale, bien que cela n’ait pas été sans drame. Alors que la renommée des Wailers grandit, Tosh et Bunny Wailer quittent le groupe, mécontents de la façon dont Chris Blackwell, le patron d’Island Records, traite les autres membres par rapport à Marley.
Diana Ross – ‘Touch Me In The Morning’ (Touchez-moi le matin)
Après avoir perdu un Oscar au profit de Liza Minnelli, la star de cinéma en herbe et ancienne chanteuse des Supremes, Diana Ross, est revenue à ce qu’elle savait faire de mieux : épater le monde avec sa musique. Touch Me In The Morning » est le premier album qu’elle sort après cette perte et montre de nouvelles cordes à son arc, notamment la ballade de la chanson titre. C’est aussi l’album qui l’a mise sur la voie de la diva et qui a influencé certaines des voix féminines les plus puissantes de la pop à venir.
Ce qui s’est passé ensuite : Ross a collaboré avec Marvin Gaye sur l’album commun à succès « Diana And Marvin », tandis qu’elle continuait à développer sa carrière d’actrice et à devenir une icône pop solo.
Stevie Wonder – ‘Innervisions’ (en anglais)
Pour son seizième album studio, Stevie Wonder a laissé de côté les ballades mélancoliques des disques précédents pour s’engager sur un terrain beaucoup plus social. Presque entièrement écrits par lui-même, les titres d' »Innervisions » traitent habilement de tout, des critiques du président américain Richard Nixon – qui était en fonction à l’époque – au racisme systémique. Cet album a montré que le musicien, déjà très apprécié, était plus qu’une simple âme romantique et a mis en avant des questions importantes dans sa musique.
Ce qui s’est passé ensuite : Trois jours après la sortie de l’album, Wonder est impliqué dans un accident de voiture qui le laisse dans le coma pendant 10 jours. Lorsqu’il en est sorti, le musicien craignait de ne plus pouvoir jouer – heureusement, comme nous le savons, il l’a fait, poursuivant une carrière légendaire.
Lou Reed – ‘Berlin’ (en anglais)
L’histoire au cœur de « Berlin » est centrée sur un couple qui lutte contre la dépendance et les abus, mettant en avant les thèmes de la violence domestique, de la santé mentale et de la consommation de drogues, entre autres. Bien qu’il ait été réévalué et ajouté à la liste des albums classiques dans les décennies qui ont suivi, il a été largement rejeté à l’époque par les critiques et les fans, bien que les auditeurs britanniques aient donné à Lou Reed son album le plus haut classé avec ce disque.
Ce qui s’est passé ensuite : Berlin » peut être considéré aujourd’hui comme un classique, mais pour sauver la face après son échec commercial de l’époque, Reed se résout à sortir un album live de chansons du Velvet Underground, « Rock’n’Roll Animal ». Ce dernier est devenu son album solo le plus vendu.
Black Sabbath – ‘Sabbath Bloody Sabbath’ (Sabbath Bloody Sabbath)
Black Sabbath avait déjà commencé à mélanger son son avant » Sabbath Bloody Sabbath » en 1973 et ils ont continué à garder les choses fraîches sur ce disque. Des synthés et des cordes ont été ajoutés aux morceaux, tandis que Tony Iommi a essayé – et échoué – à devenir assez compétent au sitar et à la cornemuse pour rendre les choses encore plus nouvelles. Malgré ces idées originales, « Sabbath Bloody Sabbath » fait toujours autant de bruit et est souvent considéré comme l’un des albums les plus lourds de tous les temps.
Ce qui s’est passé ensuite : Black Sabbath est revenu à ses racines avec » Sabotage » en 1975, mais cela n’a pas permis de sauver la formation classique du groupe. En 1977, Ozzy Osbourne quitte le groupe et est remplacé par Dave Walker, avant de le réintégrer en 1978, puis d’être licencié un an plus tard.
Gladys Knight And The Pips – ‘Imagination’ (en anglais)
Après avoir échoué à négocier un meilleur contrat avec Motown, Gladys Knight And The Pips quitte le label emblématique et repart à zéro avec Buddah Records. Leur première sortie sur le label était « Imagination », qui leur a permis de faire preuve d’une nouvelle créativité, en s’éloignant sur certains morceaux du son pour lequel ils étaient connus et en s’orientant vers un territoire plus pop et R&B. Ils ont réussi ce changement. Ils ont réussi ce changement, en vendant rapidement un million de copies du disque.
Ce qui s’est passé ensuite : Bien que « Imagination » ait été un début réussi sur Buddah Records, les choses n’ont pas duré et à la fin de la décennie, le groupe a quitté le label et a signé avec Columbia Records.
Tom Waits – ‘Closing Time
Bien que le monde ait mis du temps à découvrir le premier album de Tom Waits, Closing Time, il a rapidement fait l’objet d’un culte. La star a enregistré l’album après avoir été découverte au Troubadour de Los Angeles par David Geffen et ses chansons l’ont présenté comme un auteur-compositeur poétique ancré dans le jazz – ce dont il s’éloignera à l’aube des années 80.
Ce qui s’est passé ensuite : Bien que Waits n’ait pas connu un grand succès commercial, il est devenu un symbole de la vénération musicale et une source d’inspiration pour ceux qui souhaitent écrire des chansons sur des personnages malchanceux.
Roberta Flack – » Killing Me Softly » (en anglais)
Le cinquième album studio de la chanteuse de Caroline du Nord Roberta Flack, « Killing Me Softly », est bien loin de ses premières incursions dans le monde de l’enregistrement, qui lui ont permis de produire des dizaines de démos en quelques heures seulement. Au lieu de cela, la star a passé 18 mois à travailler sur « Killing Me Softly » – et son temps a porté ses fruits. C’est l’un de ses meilleurs albums, qui remporte le prix du disque de l’année aux Grammys 1974 et qui aurait pu également être élu album de l’année, si Wonder n’avait pas enregistré « Innervisions ».
Ce qui s’est passé ensuite : Flack a obtenu son troisième – et dernier – numéro un au Billboard avec le single « Feel Like Makin’ Love » en 1974, mais elle a continué à enregistrer et à se produire jusqu’au début de cette année, lorsqu’elle a été forcée de prendre sa retraite après avoir été diagnostiquée d’une sclérose latérale amyotrophique.
